The new book of the Spanish poet Isaac Calderón, La Parábola del Arcoíris, give us the chance – according to his author – of mediate, upon and in with language as a symbol. The paperback version is available worldwide via Amazon

Isaac Calderón, autor de La Parábola del Arcoíris. Imagen: archivo personal.

Isaac Calderón, author of La Parábola del Arcoíris. Picture: personal archive.

By Gabriel Petter

Isaac Calderón doesn’t fit the mould of the conventional definitions of what an artist should be. An specialist in digital creation with a long, international career in creative departments of notable corporations, he holds a Master’s Degree in Audiovisual Communication. He is also a musician and a vocational poet that has just published his second book, La Parábola del Arcoíris (Los Papeles de Brighton, 2016), after a long hiatus that followed the (fragmentary) publication of his first book, Menarquia del ave adolescente (2004).

Currently he resides in colourful Barcelona, after six years living in Qatar. Now he is writing his third book and translating, together with his wife Irene Büntemeyer and directly from the original German the poetry of the great Stefan George (1868-1933). Isaac is cultivated and his quotes, from Goethe to Kandinsky, are ample. He teaches more than what he dialogs and thus it is no wonder that he has been invited as a professor by different universities around the globe.

Although this interview -mostly completed through email- it is structured in an standard way, the flow of the conversation is as free as the thoughts of this multidisciplinary artist that is still not well known by the Brasilian audiences. We fed on his sources to take a bit of his clarividence, that of a sensitive man that wishes with his poetry to reveal the highest reality, the one that lays behind the sense world. A world behind of untold beauty and lyricism – and we need those so much in this dark time that we ought to live in.

GP: When I read your book for the first time I was surprised by its title. Does it lay out the symbolic narrative that keeps on growing in intensity while you get to know the voices of the characters that populate its pages. Can you try to define your Parábola?

IC: More so than characters that populate the book I would talk about a book that serves as a habitat of two particular voices and to an indetermined third –I’d like it to be a temple, in the way that in Ancient Greece an specific form was able to contain a god. These two first voices stablish a dialog between themselves: they are the ones of the I & Consciousness, the Divine and the Poet, the Eternal and a Man Searching for the Eternal Word. The third voice, implicit across the entire book, is the one of the person summoned in the first poem, Lirio (Lily, Lys). It is definitely a femenine presence –independently of the poet being a man or a woman- that forecasts the dawn of the Opus itself and without which it is impossible the birth, the giving birth of the Word. She blows where She pleases.

Also, and considering the fact that this is not a fiction book, but a poetry book in the traditional sense, that is, a book that belongs to that which has been named philosophia perennis, I do not like to refer to this voices as those of characters, but as those of Persons.

This is an artistic exercise that is carried on into a solitary land; above it gravitates, as an enormous sky, the faith in the Imagination that, as Victoria Cirlot ( mentions in her marvelous prologue to my book, is “Exact & Precise”: in other words, the voices of the book are not fictions in a novelistic or prosaic sense.

Indeed this is symbollic poetry –but not symbolist. The symbol differentiates itself, as it is also clarified in the prologue, from the allegory, that it is “forever dead”. The allegory relates to the symbol by means of iconography, but it lacks the vitality and fertility of it. The symbol is, according to Valentin Tomberg, an “operation that is magical, mind-related, psychical and moral that is able to awake new notions, ideas, feelings and aspirations, which means that it requires a deeper activity that that of the mere study or intellectual explanation”. Juan-Eduardo Cirlot (, in his prologue to the first edition of his famous Dictionary of Symbols, mentions “the intuition that, behind metaphor, there is something more that a substitution of reality”, that is to say that behind metaphor lays a higher reality, and that to create is, behind the veil, a method or discipline of knowledge or, maybe, a discipline on memory (in the platonic fashion), on remembering this lofty symbollic reality from which flow, as it if was a fountain, the waters that solidify in our physical world. Matter is but coagulated symbol, a symbol that has rained and has become a lake. Goethe: “Everything transitory is but a symbol, that what is not enough to here arrives; that which cannot be told is here fulfilled, the eternal femenine attracts us”.

That what makes this book different is that, here, the symbol is the very same word, transitory insofar it comes after Babel, everlasting insofar it is (also) the Word. Human and divine are united in one phenomenon: language. And just in another one: the human being, the anthropos. By meditating on language, we reach Language. This is to say that this book, The Parable of the Rainbow, constitutes above all the possibility for the reader of meditating upon, in, with language as Symbol.

GP: This is not your first book. When did your interest in poetry started? What do you seek with or through it?

IC: You’re right. This is my second book. The first one, Menarche of the Adolescent Bird (Menarquia del Ave Adolescente), was completed in 2004, 13 years ago, no less. What happened with that book is that it was published fragmentarily: in the old Ciberayllu, directed by Domingo Castilla, from the University of Missouri. In the literary blog of the poet and translator of Hilda Hilst John Keene (, that translated my poem “Winterreise”. In the Lunas Rojas magazine, where Juan Carlos Mestre (Spain’s National Poetry Prize Awardee), Enrique Falcón (“Adonáis”, accésit con La marcha de 1.500.000) and other relevant authors (Jorge Riechmann, etc.). In the magazine Fósforo, directed by the poet Gonzalo Esparza. I remember that even one of the poems of that book was included in one catalogue of a sculpture exhibit by Gonzalo Serrano, if I recall correctly. The town’s major misreading my poem was something I won’t easily forget. So, as you see, Menarquia del Ave Adolescente was indeed published, but in a fragmentary way. I do not discard to revise, edit and rewrite the book in order to publish it in a coherent manner.

I’m sure that you have noticed the considerable amount of time between both books, Menarche and this Parable, that I wrote in six febrile months of 2015 in Doha, Qatar. There is more that a decade in between both works. This is a topoi that appears transfigurated along the verses of La Parábola del Arcoíris, this decade of silence during which I didn’t write any verse. With the due respect to a grand poet of our noble language, Antonio Gamoneda went through a similar experience before writing the epoch-making Descripción de la Mentira.

More than remembering an specific moment in which my pursue of poetry began, I kind of remember the opposite, to be recruited by Her when I barely knew Her. I was just nine years old when I wrote a few poems without knowing very well what I was doing and that, even today, they do interpelate me.

And speaking of remembering, let me express my gratitude to Amadeo Tàrrega, requiem in pace, my professor back then, who didn’t bypass those childhood verses and for having been faithful, back then, already, faith in my qualities as a writer.

If you ask me whether this latest book has satisfied my aspirations as a poet, as an artist, let me tell you that of course not! My favourite book now is the one I am writing, the one I started to write when I move back to Barcelona. My favourite book is always the one that is being written. It is fresher and close to the living stream of inspiration. As I’ve mentioned before, La Parábola del Arcoíris was written in Doha, Qatar, where I lived for the past six years.

You can find verses of Menarche of an Adolescent Bird (in most cases, translated into English too) in the form of designs and videopoems in my Instagram gallery.

GP: Sometimes, when I read the book, I got caught by a melancholic solitude. It is just like if the characters that talk through the poet were talking to everyone. It is poetry really a solitary trade? Why does your book seem to contain such an enormous melancholy?

IC: You have employed two different words, Solitude & Melancholy, that are related to each other but are not the same. About solitude, yes, there is an absence of the first magnitude: the absence of the Word. In my opinion we can’t experiment a more intense solitude, due to the fact that we Are just because of the Word: Kein ding sei wo das wort gebricht / nothing exists where the word is not (Stefan George).

About Stefan George, he is a key Modern poet and we, my wife and I, are very sad that there is no satisfactory version in Spanish of his work. I mean, and with due respect, there is no translation of George that has been done by a Spanish poet that knows throughly the German language and that is not a mere translator. I am telling you this, dear Gabriel, because I wanted to announce that together with my wife, Irene Büntemeyer, I am going to translate Stefan George and I am eager to harvest the fruits of this enormous but fantastic task.

There are translations that fulfil a divulgative role, but in George’s case, the existing versions (and I include the most recent ones) available in Spanish are making him, in our view, a disfavour. We should only accept works translated by poets, like the excellent Hojas de Hierba (Leaves of Grass, Walt Whitman) that Eduardo Moga composed. You can tell instantly that we are talking about an author that speaks and writes proper poetic Spanish through Whitman. Not a mere translator, no matter how erudite. This are complicated matters and should not be let in the hands of not so competent people.

About melancholy, I would say that some fragments are as you say melancholic, but they are so in a delayed way, there is some sort of recapitulation of melancholy, because it does not have a current presence, a recent presence, but it’s got to do more with the epoch of silence, that decade that I’ve mentioned before.

I woulnd’t describe this book as melancholic. It is actually versifying about the light that dissolves melancholy, that black fluid that seems to be consumed, like petrol, like the corpse of time, with Fire.

And yes indeed, poetry is always a solitary trade. Freud describes the Artist as that person who traces a magnificent detour in order to stablish a relationship with his peers, with society. His figure is, in a sense, analogue to that who retires to the loneliness of the desert in search of something –in this case, in search of The Word- and returns, later, to share his fruits, his findings or his Word with his peers. At the end we all write in order to be loved, as Federico García Lorca answered famously to a question regarding his poetic vocation. Of course, the poets want, like everyone else, to feel loved. To love, above all. And, if possible, to feel loved.

What occurs is that the adventure of giving someone I love the best I know of has or has had implicit, for me, the desert, it has had loneliness, not necessarily a melancholic one. The most beautiful solitude of the desert.

GP: If something called my attention of your book was the appendix, the “Adenda”. You mention in there several artistic pieces that point towards the everlasting duality or dicotomy reason / emotion. Is this a dilemma for a poet with a scientific vocation, such as yourself?

IC: I did agree with my editor, the director of the publishing house Los Papeles de Brighton (Palma de Mallorca, Spain) who is also a poet, Juan Luis Calbarro, to finalise the book not with an explanatory appendix that was to dissect the poems that are alive and well (thanks God!), but more like a series of emblems taken from the countless root images that made possible the organic growth of this poetry book. My idea was to use more contemporary images, such as the vowel diagrams of Stockhausen (Stimmung), but matters related to intellectual property and copyright issues prevented me of using this more modern imagery, and so I searched into Antiquity, in the Medieval Times and in the period that starts with the beginning of the Modern Era (Renaissance, mid Quattrocento) until the Modernism itself (Jugendstil): the last image of this Adenda is the Tree of Life by Gustav Klimt. Those old epochs, anyway, were not unfamiliar to me, as I’ve searched across millenia truths to feed this book and this ancient eras are, in a sense, also contemporary, because they coexist with me here and now as I summon them through the words they left.

About the alleged dilemma Reason vs Emotion, I wouldn’t consider such an opposition, but more about the couple Reason (not versus) & Spirit. I do not believe that in the current times, reading the Zeitgeist, the object of the Arts should be to seek feeling, or emotion, and less so passion. I’d like to recommend–although I do not fully agree with it, it is still full of insight- (Spanish philosopher) Ortega y Gasset’s celebrated essay on the topic of vanguard art: and above all Concerning the spiritual on art, by V. Kandinsky, that can be read online:

The true opposition I detect in my Adenda is that of Science vs Art, Intelectualism vs Aestheticism; in short, the alleged and aged battle between two modes of knowing: the analitic of the intellect, that breaks reality into pieces, and the spiritual that is native to every true work of art. I try to show how this opposition is just apparent and not essential. As I’ve said the appendix complements, but does not explain (it is impossible) the verses that come before it. To be a poet with scientific training it is not a dilemma, it is a bless. A science that is spiritual, and a scientific art was the goal of gigantic figures of our culture such as Goethe.

GP: In times in which “reason” seems to have become some sort of mantra, poetry seems condemned to be an hermetic exercise on subjectivity. A friend of mine, also a poet, told me something that seems to exude a strong feeling of rejection agains this supremacy of reason. He said to me “we need to reincantate the world”. What do you think about that? Did we lose ourselves a bit into the labyrinths of reason?

IC: I am grateful for this question and for the way you shape it, because you are describing the mission of the arts: that of re-enchanting the world. If we are talking about re-enchanting, we are assuming that that which was enchanted it is not anymore. We assumed a childhood and a paradise lost, and we enter fully in teleology (telos) with the promise, or aspiration, of re-enchanting the world, of re-dressing it with its old fire or, as I prefer, with a new glory.

But I dissagree with your friend: I don’t think reason is a proble at all in this task of re-enchanting the world. Even more: it is an ally, a key one, an indispensable one. I don’t believe either that we live in a world ordered according to reason: you just need to see the rampant irrationalism and the growing brutality, almost animal-like, of our time. I believe that the criticism of your friend should be redirected to the supremacy, to the tiranny of technology, not of reason. And even though, my position would be the same (that of a Waldgänger): if reason is limiting you, illuminate it with Art. If technology oppresses you and real-time simultainety devours the space of your interiority, illuminate it with Art.

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Sítio de Los Papeles de Brighton, con partes del libro:



El nuevo libro del poeta español Isaac Calderón, La Parábola del Arcoíris, representa, en palabras del propio autor, la posibilidad para el lector de realizar una meditación sobre, en, con el lenguaje como símbolo. La obra está disponible para su venta a todo el mundo en Amazon

Isaac Calderón, autor de La Parábola del Arcoíris. Imagen: archivo personal.

Isaac Calderón, autor de La Parábola del Arcoíris. Imagen: archivo personal.

Por Gabriel Petter

Isaac Calderón no se ajusta a las definiciones convencionales de artista. Especialista en creación digital, con larga experiencia en el entorno corporativo, máster en comunicación audiovisual por la Universidad de Valencia, músico, poeta de vocación, el español lanza su segundo libro, La parábola del arcoíris (Los Papeles de Brighton, 2016), después de una larga pausa, tras haber publicado, fragmentariamente, Menarquia del Ave Adolescente, en 2004. Actualmente reside en Barcelona, después de seis años viviendo en Qatar. Isaac y su esposa, Irene Büntemeyer, preparan la traducción al español, directa del alemán, de la obra del gran vate Stefan George (1868-1933). Culto, con amplias citas que van desde Goethe a Kandinsky, Isaac enseña más de lo que conversa – no es de extrañar que tenga experiencia como profesor invitado en el área de la educación superior. Y aunque esta entrevista realizada por correo electrónico siga un guión estándar, el flujo de la conversación es libre como el pensamiento de este multiartista aún poco conocido por el público brasileño. Beber de sus fuentes es enriquecerse un poco con la clarividencia de un hombre sensible que desea, con su poética, revelar la realidad más alta detrás del mundo que se nos presenta. Un mundo de belleza insospechada, lírica, tan necesaria en estos tiempos oscuros en que vivimos.

GP: Cuando leí el libro por primera vez me despertó la curiosidad el título. Parece hacer referencia a una narrativa simbólica que se torna más intensa al conocer las voces de los personajes que habitan el interior del sus páginas. ¿Cómo definirías tu Parábola?

IC: Más que de personajes que habitan un libro yo hablaría de un libro que sirve de habitáculo –templo, quisiera, a la manera en que en la Grecia antigua una forma específica contenía a un dios- a dos voces determinadas y a una tercera que no lo está. Estas dos primeras establecen un diálogo entre sí y son las del yo y la conciencia, las de lo divino y el poeta, las de lo eterno y un hombre en busca de la palabra de lo eterno. La tercera voz, elidida, implícita en todo el texto, pertenece a la persona a quien invoca el primer poema, Lirio. Es una presencia femenina que anuncia el alba de la obra y sin la que es imposible el nacimiento, el parto del verbo. Ella sopla donde quiere.

Asimismo, y dada que esta no es una obra de ficción sino que se quiere poética en su sentido tradicional, es decir, perteneciente a lo que se ha dado en llamar la filosofía perenne (philosophia perennis), a mí no me gusta hablar de personajes sino de personas.

Este es un ejercicio artístico que se lleva a cabo en una landa solitaria sobre la que gravita, como un enorme cielo, la fe en la Imaginación que, como indica Victoria Cirlot ( en su maravilloso prólogo, es “exacta y precisa”: esto es otro modo de decir que las voces del libro no son ficciones en un sentido novelístico o prosaico.

Efectivamente se trata de poesía simbólica –que no simbolista. El símbolo se diferencia, como también se apunta en el prólogo, de la alegoría, “siempre muerta”. La alegoría se relaciona iconográficamente con el símbolo pero carece de la vitalidad y capacidad fecundativa de este. El símbolo es, en palabras de Valentin Tomberg, una “operación mágica, mental, psíquica y moral que despierta nuevas nociones, ideas, sentimientos y aspiraciones, lo que significa que requiere una actividad más profunda que la del mero estudio o explicación intelectual”. Juan-Eduardo Cirlot (, en el prólogo a la primera edición de su Diccionario de símbolos, menciona “la intuición de que, detrás de la metáfora, hay algo más que una sustitución de la realidad”, es decir, hay una realidad más alta, y crear es tras este velo un método o disciplina de conocimiento, o quizá una disciplina del recuerdo de esta realidad simbólica, elevada, desde la que manan, como si de una fuente se tratase, las aguas que desembocan en nuestro mundo físico. La materia es símbolo coagulado, llovido, convertido en laguna. Goethe: «Todo lo perecedero es un sólo símbolo, lo insuficiente llega hasta aquí; lo inenarrable está aquí cumplido, lo eterno femenino nos atrae».

Lo que hace a este libro diferente es que aquí el símbolo es la misma palabra, perecedera en cuanto posterior a Babel, eterna en cuanto Palabra. A través de la meditación en el lenguaje llegamos al Lenguaje. Es decir, este libro es ante todo la posibilidad para el lector de realizar una meditación sobre, en, con el lenguaje como símbolo.

GP: Este no es el primer libro que has escrito. ¿Cuándo y cómo empezó tu interés por la poesía? ¿Qué buscas en, con ella?

IC: Efectivamente este es, en rigor, mi segundo libro. El primero, Menarquia del ave adolescente, lo concluí en 2004, hace ya trece años. Ocurre que Jfue publicándose de manera fragmentaria: en la antigua Ciberayllu, dirigida por Domingo Castilla, de la Universidad de Missouri. En el blog del poeta y traductor de Hilda Hilst, John Keene (, con su traducción al inglés. En la antología “Poesía para nadie”, que publicó La Tapadera en Valencia en 2005. En la revista Lunas Rojas, donde habían publicado, entre otros, Juan Carlos Mestre o Enrique Falcón. En la revistaFósforo, dirigida por Gonzalo Esparza. Incluso uno de los poemas de aquel libro presentaba el catálogo de una exposición del escultor Gonzalo Serrano. Así que, como ves, el libro se publicó, pero de forma fragmentaria. No descarto publicar en el futuro Menarquia del ave adolescente completo, revisado y reescrito.

Te habrá llamado la atención el tiempo considerable que ha transcurrido entre aquel primer libro y este último, que escribí en seis meses de 2015. Más de una década de distancia separan a ambos poemarios. Este es un tema que aparece transfigurado en La parábola del arcoíris, el de esta década de silencio en la que escribí ningún verso.

Más que el recuerdo de que en algún momento comenzara mi interés por la poesía, yo lo que recuerdo más bien ser reclutado por ella -cuando yo no la conocía para nada. Tenía nueve años cuando escribí una serie de poemas sin saber muy bien lo que hacía ni cómo, pero que aún parecen interpelarme.

Y ya que me has hecho recordar, déjame agradecer a Amadeo Tàrrega, mi profesor de entonces, el no haber dejado inadvertidos  aquellos versos infantiles y por haber mostrado, ya entonces, fe en mis cualidades como escritor.

En cuanto a si este libro ha satisfecho mis aspiraciones como poeta, por supuesto que no. Mi favorito ahora es el que he comenzado a escribir en Barcelona. Siempre es el que está en proceso. Sabes que La parábola fue escrito en Doha, Catar, donde viví los últimos seis años.

Podéis encontrar versos de Menarquia del ave adolescente y s e  en forma de diseños y videopoemas en mi página de Instagram (link abajo)

GP: A veces, leyendo el libro, me sobrecoge una gran soledad melancólica, como si los personajes que hablan a través del poeta estuviesen hablando para todos. ¿Es la poesía un ejercicio solitario? ¿Por qué esta Parábola del arcoíris parece contener una melancolía tan grande?

IC: Has empleado dos palabras, soledad y melancolía, que están relacionadas pero no son lo mismo. En cuanto a la soledad, sí hay una ausencia de primer rango que precede a y es causa de este poemario: la ausencia de la palabra. En mi opinión no podemos experimentar soledad más intensa, ya que sólo somos merced a la palabra: Kein ding sei wo das wort gebricht / ninguna cosa sea donde falte la palabra(Stefan George).

Acerca de Stefan George, él es un poeta moderno capital y a mi mujer y a mí nos entristece mucho que no haya una versión satisfactoria en castellano [de su obra], esto es y con todos mis respetos, escrita por un poeta español que conozca bien la lengua alemana aparte de la suya propia y no sea un mero traductor. Te digo esto, Gabriel, porque me gustaría contarte que mi mujer, Irene Büntemeyer, y yo, hemos comenzado la ingente tarea de traducción de George y pronto esperamos ver frutos.

Hay traducciones que cumplen una labor divulgativa, pero en el caso de George las versiones existentes en castellano le hacen, en nuestra opinión, un flaco favor. Deberíamos de aceptar sólo obras traducidas por poetas, como la excelente Hojas de Hierba que hizo Eduardo Moga de la obra de Walt Whitman. Se nota (y mucho) que es un autor quien habla español a través de Whitman.

En cuanto a la melancolía, yo diría que hay algunos fragmentos que son como dices melancólicos, pero lo son de un modo dirimido, hay como una recapitulación de una melancolía que no tiene hoy presencia ni es reciente, sino que tiene que ver con la época de silencio que he mencionado antes.

No calificaría el libro de melancólico sino que precisamente versa sobre la luz que disuelve la melancolía, ese fluido negro que parece consumirse, como el petróleo, como el cadáver del tiempo, con la llama.

Y sí, la poesía es siempre un ejercicio solitario. Freud describe al artista como aquel que para relacionarse con los demás efectúa un magnífico rodeo. Su figura es en cierto modo análoga a la de quien marcha a la soledad del desierto en una búsqueda –en este caso, a la búsqueda de la palabra- y vuelve más tarde para compartir su fruto, hallazgo o verbo con sus semejantes. Al final todos escribimos para que nos quieran, como célebremente respondió Lorca a una pregunta acerca de su vocación poética. Claro está, los poetas queremos lo que quiere todo el mundo: amar, sobre todo; y si es posible, ser amados.

Lo que sucede es que la aventura de darle a quien amo lo mejor que conozco tiene o ha tenido para mí implícito el desierto, tiene implícita la soledad, no necesariamente melancólica. La hermosísima soledad del desierto.

GP: Una cosa que me llamó (mucho) la atención fue la adenda que se encuentra al final del libro. En ella te refieres a varias obras que versan sobre la eterna dualidad razón / emoción. ¿Es este un dilema para el poeta con vocación científica? Hablo de ti, claro (risas).

Acordé junto con mi editor -el director de Los Papeles de Brighton y también poeta Juan Luis Calbarro- completar el volumen no con una adenda que diseccionara los poemas vivos, sino como una serie de emblemas tomados de las innumerables imágenes raíces que hicieron posible el crecimiento orgánico de este poemario.

Mi idea era usar imágenes contemporáneas, como los diagramas vocálicos del Stimmung de Stockhausen, pero asuntos relativos a derechos de propiedad intelectual me obligaron a buscarlas en la antigüedad, en el medievo y en el periodo que va desde el comienzo de la edad moderna hasta el modernismo: la última imagen es la del Árbol de la vida de Gustav Klimt. Eran épocas en los que, de todos modos, ya había buscado, y que me son también contemporáneas en cuanto que, mediante la palabra, coexisten conmigo aquí y ahora.

En cuanto al dilema razón versus emoción al que te refieres, no creo que se trate tanto de esa oposición, sino de la dupla razón (no versus) y espíritu. No creo que en estos tiempos el objeto del arte deba ser, al contrario de lo que parece aún pensarse, el sentimiento o la emoción, y la pasión mucho menos. Al respecto recomiendo leer De lo espiritual en el arte, de V. Kandinsky.

La verdadera oposición de que se trata en la adenda es la de ciencia versus arte, intelectualismo versus esteticismo; en resumen, la pretendida y anticuada oposición entre dos modos de conocimiento supuestamente enfrentados: el disgregador y analítico del intelecto y el espiritual que corresponde a toda obra de arte auténtica. Que la oposición es sólo aparente es lo que intento, entre otras cosas, sugerir con la serie de emblemas que componen la adenda. Como he dicho,  esta complementa, no explica, el texto poético. Así que ser un poeta con cierta formación científica no es tanto un dilema como una bendición. Una ciencia espiritual y un arte científico es lo que buscaron figuras enormes como Goethe.

GP: En tiempos en los que la “razón” parece ser una especie de mantra, la poesía parece un ejercicio hermético de subjetividad. Un amigo mío, también poeta, me dijo una frase que parece traducir un fuerte sentimiento de rechazo contra esta supremacía de la razón: “necesitamos reencantar el mundo.” ¿Qué piensas? ¿Nos hemos perdido un poco en los caminos de la razón?

Te agradezco que me formules esta pregunta y que lo hagas de este modo, porque prácticamente estás describiendo la misión del arte: la de encantar el mundo. Si se trata de reencantar, hemos de suponer que lo que estuvo encantado ya no lo está, asumimos una infancia y un paraíso perdidos y entramos de lleno en la teleología con la promesa, o aspiración, de reencantarlo: de vestirlo de nuevo con su viejo fuego o bien, como prefiero, con una gloria nueva.

Pero yo, y aquí difiero de tu compañero, no creo que la facultad racional sea problema alguno en esta tarea de (re)encantamiento. Al contrario. Y tampoco creo que vivamos en un mundo que se caracterice por estar ordenado de acuerdo a criterios racionales: no hay más que contemplar el irracionalismo y la brutalidad crecientes, casi animales, de nuestro tiempo. Creo que la crítica de tu compañero habría que dirigirla contra la tiranía de la tecnología, no de la razón. Y aún así mi posición sería la misma: si la razón te limita, ilumínala con el arte: si la tecnología te oprime y la simultaneidad devora el espacio de tu interioridad, ilumínala con el arte.

Links para conocer más a Isaac Calderón e su obra:



Sítio de Los Papeles de Brighton, con partes del libro:


Isaac Caldeirón: a parábola de um poeta

O novo livro do poeta espanhol Isaac Calderón, La Parábola del Arcoíris, representa, nas palavras do próprio autor, a possibilidade do leitor realizar uma meditação sobre, em, com a linguagem como símbolo. A obra está disponível para venda no sítio da Amazon

Em seu novo livro, o poeta Isaac Caldeirón. Imagem: arquivo pessoal.

Isaac Calderón, autor de La Parábola del Arcoíris. Imagem: arquivo pessoal.

Por Gabriel Petter 

Isaac Calderón não cabe nas definições convencionais de artista. Especialista em criação digital, com larga experiência no mercado corporativo, mestre em comunicação audiovisual pela Universidade de Valência, músico, poeta de vocação, o espanhol lança seu segundo livro, La Parábola del Arcoíris (Los Papeles de Brighton, 2016), após um longo hiato desde que publicou, fragmentariamente, Menarquia del Ave Adolescente, em 2004. Atualmente residindo em Barcelona, após seis anos no Qatar, Isaac e sua esposa, Irene Büntemeyer, preparam a tradução para o espanhol, direto do alemão, da obra do gigantesco poeta Stefan George (1868-1933). Culto, com amplas citações de autores que vão de Goethe à Kandinsky, Isaac ensina mais do que conversa – não à toa conta também com experiências acadêmicas. E embora esta entrevista, via e-mail, siga um roteiro convencional, o fluxo do bate-papo é livre como o pensamento do multi-artista ainda pouco conhecido do público brasileiro. Beber da sua fonte é se enriquecer um pouco com a clarividência de um homem sensível, que deseja, com a sua poética, revelar a realidade maior por trás do mundo que se nos apresenta. Um mundo de beleza insuspeitada, lírica, tão necessária nestes tempos obscuros em que vivemos.

GP: Quando li o livro pela primeira vez, fiquei curioso com o título. Ele parece se referir a uma narrativa simbólica que se torna mais intensa ao se conhecer as vozes dos personagens que habitam o interior do livro. Como você definiria a sua parábola?

IC: Mais do que personagens que habitam um livro eu falaria de um livro que serve de habitação – templo, eu gostaria, à maneira que na Grécia antiga uma forma específica continha um deus – para duas vozes determinadas e uma terceira que não o é. Estas duas primeiras estabelecem um diálogo entre si e são aquelas do “eu” e da consciência, as do divino e do poeta, as do eterno e do homem em busca do eterno. A terceira voz, elidida, implícita em todo o texto, pertence à pessoa evocada pelo primeiro poema, Lírio. É uma presença feminina que anuncia o alvorecer da obra e sem a qual é impossível o nascimento, o parto do verbo. Ela sopra onde quer. Dado que esta não é uma obra de ficção, mas que se pretende poética, em seu sentido tradicional, isto é, pertencente ao que tem sido chamado de filosofia perene (philosophia perennis), não gosto de falar de personagens, mas de pessoas.

Este é um exercício artístico que se leva a cabo num terreno solitário sobre o qual gravita, como um enorme céu, a fé na imaginação que, como diria Victoria Cirlot ( em seu maravilhoso prólogo, é “exata e precisa”: este é outro modo de dizer que as vozes do livro não são ficções, num sentido novelístico ou prosaico.

Efetivamente, se trata de poesia simbólica – que não é simbolista. O símbolo se diferencia também, como se aponta no prólogo, da alegoria, “sempre morta”. A alegoria se relaciona iconograficamente com o símbolo, mas carece da vitalidade e da capacidade fecundativa deste. O símbolo é, nas palavras de Valentin Tomberg, uma “operação mágica, mental, psíquica e moral que desperta novas noções, ideias, sentimentos e aspirações, o que significa que requer uma atividade mais profunda do que a do mero estudo ou explicação intelectual”. Juan-Eduardo Cirlot (, no prólogo à primeira edição do seu Dicionário de Símbolos, menciona a “intuição de que, por trás da metáfora, há algo mais do que uma “substituição da realidade”, quer dizer, há uma realidade maior, e criar está por trás desse véu um método ou disciplina do conhecimento, ou talvez uma disciplina de memórias desta realidade simbólica, elevada, da qual emanam, como se fosse uma fonte, as águas que desembocam em nosso universo físico. A matéria é símbolo coagulado, chovido, convertido em laguna. Como dizia Goethe: “Todo o perecível é um único símbolo, o insuficiente chega até aqui; o inenarrável está aqui cumprido, o eterno feminino nos atrai”.

O que faz este livro diferente é que aqui o símbolo é a mesma palavra, perecível enquanto posterior à Babel, eterna enquanto palavra. Através da meditação na linguagem chegamos à linguagem. Isto é: este livro representa, em primeiro lugar, a possibilidade para o leitor realizar uma meditação sobre, em, com a linguagem como símbolo.

GP: Este não é seu primeiro livro. Quando e como começou o seu interesse pela poesia? O que você busca nela?

IC: Na verdade, este é o meu segundo livro. O primeiro, Menarquia del ave adolescente, foi escrito em 2004. Ocorre que ele foi publicado fragmentariamente: na antiga Ciberayllu, dirigida por Domingo Castilla, da Universidade do Missouri; no blog do poeta e tradutor de Hilda Hilst (poetisa brasileira falecida em 2004) John Keene (, com tradução do próprio, em inglês; na antologia “Poesia para Ninguém”, publicação da editora La Tapadera (da cidade de Valência), em 2005; na revista Lunas Rojas, onde publicaram, entre outros, Juan Carlos Mestre e Enrique Falcón; na revista Fósforo, dirigida por Gonzalo Esparza. Inclusive um dos poemas daquele livro apresentava o catálogo da exposição do escultor Gonzalo Serrano. Como você pode perceber, o livro foi publicado, porém, fragmentariamente. Não descarto no futuro publicar Menarquia del ave adolescente completo, revisado e reescrito.

Deve ter chamado a sua atenção o tempo considerável transcorrido entre aquele primeiro livro e este último, que escrevi em seis meses, em 2015. Mais de uma década de distância separam os dois poemários. Este é um tema que aparece transfigurado em La parábola del arcoíris, o desta década de silêncio, na qual não escrevi nenhum verso.

Mais do que a recordação de que em algum momento eu tenha me interessado por poesia, me recordo melhor de ter sido recrutado por ela – quando eu a desconhecia. Tinha nove anos quando escrevi uma série de poemas sem saber muito bem o que fazia e nem como, mas que ainda parecem me interpelar.

E já que você me fez lembrar, gostaria de agradecer Amadeo Tàrrega, meu professor de então, por não deixar passar inadvertidamente aqueles versos infantis e por haver demonstrado, já naquela época, fé nas minhas qualidades como escritor.

Se este livro satisfez minhas aspirações como poeta, é claro, que não. Meu favorito agora é o que comecei a escrever em Barcelona. Sempre é aquele que está em processo. Saiba que La Parábola foi escrito em Doha, no Quatar, onde vivi os últimos seis anos.

É possível também encontrar versos de Menarquia del ave adolescente La parábola del arcoíris na forma de desenhos e vídeo-poemas na minha  página no Instagram (link no final da matéria).

GP: Às vezes, lendo o livro, me sinto assaltado por um forte sentimento de solidão melancólica, como se os personagens que falam através do poeta estivessem falando para todos e para ninguém. A poesia é um exercício solitário? Por que La parábola del arcoíris parece conter uma melancolia tão grande?

Você empregou duas palavras, solidão e melancolia, que estão relacionadas, porém não se confundem. Quanto à solidão, há uma ausência de primeiro grau que é o mote deste poemário: a ausência da palavra. Na minha opinião, não podemos experimentar solidão mais intensa, já que só “somos” mercê da palavra: “Kein ding sei wo das wort gebricht / “nenhuma coisa é onde falta a palavra” (Stefan George).

A respeito de Stefan George, falamos de um poeta moderno capital. A mim e a minha mulher (a alemã Irene Büntemeyer) nos entristece muito que não haja versão satisfatória [da sua obra] em castelhano. Isto é – e com todo o meu respeito, uma versão escrita por um poeta espanhol que conheça bem a língua alemã, além da sua própria, não sendo um mero tradutor. Te digo isto, Gabriel, porque gostaria de lhe dizer que minha esposa e eu iniciamos a ingente tarefa de traduzir George e logo esperamos colher os frutos desse trabalho.

Há traduções que cumprem um trabalho de divulgação, mas no caso de George as versões existentes em castelhano lhe fazem, em nossa opinião, um desfavor. Deveríamos aceitar apenas obras traduzidas por poetas, como a excelente Hojas de Hierba, que Eduardo Moga (poeta, tradutor e crítico literário espanhol) fez da obra de Walt Whitman. Nota-se (e muito) que é um autor que fala espanhol através de Whitman.

Quanto à melancolia, eu diria que há certos fragmentos melancólicos, como você diz, mas o são de modo dirimido, há como a recapitulação de uma melancolia que não tem presença hoje nem é recente, mas que tem a ver com a época de silêncio que mencionei antes.

Não qualificaria o livro de melancólico, mas que, precisamente, versa sobre a luz que dissolve a melancolia, esse fluido negro que parece se consumir como o petróleo, como o cadáver do tempo, na lama.

Sim, a poesia é sempre um exercício solitário. Freud descreve o artista como aquele que, para se relacionar com os demais, efetua um magnífico rodeio. Sua figura é, de certo modo, análoga a de quem marcha na solidão do deserto numa busca – nesse caso, da palavra – e volta mais tarde para compartilhar o seu fruto, buscando o verbo com seus semelhantes. No final, todos escrevemos para que nos aceitem, como celebremente respondeu Lorca a uma pergunta acerca da sua vocação poética. Claro está, nós poetas queremos o que querem todos: amar, sobretudo; e, se possível, sermos amados.

O que sucede é que a aventura de dar a quem amo o melhor que conheço tem ou teve para mim implícito o deserto, tem implícita a solidão, não necessariamente melancólica. A belíssima solidão do deserto.

GP: Uma coisa que me chamou (muito) a atenção foi o adendo no final do livro. Nele você se refere a várias obras que versam com a eterna dualidade razão/emoção. Este é o dilema do poeta com vocação científica? Falo de você, claro (risos)

IC: Entrei em acordo com meu editor – o diretor de Los Papeles de Brighton e também poeta Juan Luis Calbarro – completasse o livro não com um adendo que dissecasse os poemas vivos, mas com uma série de emblemas das inúmeras imagens-raízes que tornaram possível o crescimento orgânico deste poemário.

Minha ideia era usar imagens contemporâneas, como os diagramas vocálicos do Stimmung de Stockhausen, mas assuntos relativos a direitos de propriedade intelectual me obrigaram a buscá-las na Antiguidade, na Idade Média e no período que vai do começo da Idade Moderna até o modernismo: a última imagem é a Árvore da Vida, de Gustav Klimt. Eram épocas às quais, de todos os modos, eu buscara, e que também me são contemporâneas, enquanto que, mediante a palavra, coexistem comigo aqui e agora.

Quanto ao dilema razão versus emoção, ao qual você se refere, não creio que se trate tanto dessa posição, mas da dupla razão (no versus) e espírito. Não acredito que nestes tempos o objeto de arte deva ser, ao contrário do que parece ainda se pensar, o sentimento ou a emoção, e a paixão, muito menos. A respeito desse assunto, recomendo a leitura do livro O Espiritual na Arte, de V. Kandinsky.

A verdadeira oposição que se trata no adendo é a da ciência versus a arte, intelectualismo versus esteticismo; em resumo, a pretendida e antiquada oposição entre dois modos de conhecimento supostamente enfrentados: o disgregador e analítico do intelecto; o espiritual, que corresponde a toda obra de arte autêntica. [demonstrar] que a oposição é só aparente é o que eu tento, entre outras coisas, sugerir com a série de emblemas que compõem o adendo. Como eu disse, esta complementa, não explica o texto poético. Daí que ser um poeta com formação científica não é tanto um dilema como [é] uma bênção. Uma ciência espiritual e uma arte científica é o que buscaram figuras enormes, como Goethe.

GP: Em tempos nos quais a “razão” parece ser uma espécie de mantra, a poesia parece ser um exercício hermético da subjetividade. Um amigo meu, também poeta, disse uma frase que parece traduzir um forte sentimento de rechaço contra a supremacia da razão: “É preciso (re)encantar o mundo”. O que você acha? Nós nos perdemos um pouco nos caminhos da razão?

IC: Agradeço que você me faça esta pergunta, porque ela praticamente descreve a missão da arte: encantar o mundo. Se se trata de (re)encantar, devemos supor que o que já esteve encantado não o está mais, assumimos uma infância e um paraíso perdidos e entramos completamente na teleologia com a promessa (ou aspiração) de (re)encantá-lo. De vesti-lo novamente com seu velho fogo ou, como prefiro, com uma nova glória.

Mas eu – e aqui me diferencio do seu amigo – não acredito que a faculdade racional seja problema algum nesta tarefa de (re) encantamento. Pelo contrário. Tampouco creio que vivamos num mundo que se caracterize por estar ordenado de acordo com critérios racionais: é só contemplar o irracionalismo e a brutalidade crescentes, quase animalescas, do nosso tempo. Acredito que a crítica dele tenha se dirigido contra a tirania da tecnologia, não da razão. E ainda assim a minha posição seria a mesma: se a razão te limita, ilumine-a com a arte; se a tecnologia te oprime e a simultaneidade devora o espaço da tua interioridade, ilumine-a com a arte.

Links para conhecer mais o poeta Isaac Calderón e sua obra:



Sítio da editora Los Papeles de Brighton, com trechos do livro:

Isaac Gómez Calderón / La parábola del arcoíris




Uma das boas notícias da semana vem da televisão dos EUA. Um dos celebrados romances da ficção-científica, Um Estranho Numa Terra Estranha, de Robert Heinlein, está sendo adaptado como série para o canal fechado Syfy

O rom,ance UM ESTRANHO NUMA TERRA ESTRANHA e o seu autor, Robert A. Heinlein

O romance UM ESTRANHO NUMA TERRA ESTRANHA e o seu autor, Robert A. Heinlein

Um Estranho Numa Terra Estranha (Strange in a Strange Land, 1961), um dos mais notáveis romances de ficção-científica, será adaptado para a televisão por dois estúdios dos EUA, a Paramount Television e a Universal Cable Productions, para exibição no canal Syfy, especializado em obras do gênero. A presidente da Paramount TV, Amy Powell, não anunciou os autores da adaptação, o elenco, sequer o diretor e nem tampouco a data de lançamento, mas destacou os nomes dos produtores executivos – Brad Fischer, James Vanderbilt e William Sherak, da Mythology Entertainment; Scott Rudin, Garrett Basch e Eli Bush, da Scott Rudin Productions; e Joe Vecchio, da Vecchio Entertainment. Julia Gunn, da Mithology, será o coprodutor executivo.

A Paramount TV está animada em ter a oportunidade de adaptar o trabalho de Robert Heinlein. Este romance é importante para mim desde a faculdade e há uma razão pela qual ele continuou a encontrar novos fãs por mais de 40 anos. A programação imaginativa e futurista do Syfy é incomparável, tornando a emissora uma parceira ideal para esta série”, disse à imprensa.

O romance conta a história de Valentine Michael Smith, um humano nascido em Marte e criado por marcianos que chega à Terra no início da idade adulta e encontra enormes dificuldades em se adaptar ao modo de vida terrestre. O livro calhou dentro do movimento da contracultura e por prever temas que se tornaram essenciais nos anos 60, como o amor livre, as comunidades alternativas e a vida libertária – como os hippies -, as primeiras manifestações por uma paz mundial, mas não poupa governos e religiões.

Robert Anson Heinlein (1907-1988) tem uma obra extensa entre contos curtos e médios, artigos e romances. Entre as suas criações mais célebres encontram-se, além de Um Estranho Numa Terra Estranha, O Dia Depois de Amanhã (Sixth Column, ou The Day After Tomorrow, 1941), A Escala do Tempo (The Door Into Summer, 1957), Viajantes do Tempo (Have Spaceuit – Will Travel, 1958), as únicas editadas no Brasil. No entanto, outras 22 traduções para o português são encontradas na extinta Coleção Argonauta, da editora portuguesa Livros do Brasil, que não trouxe para cá todas as 563 obras publicadas. É para qualquer fã de ficção científica ficar com água na boca.

Clique aqui para conhecer a Coleção Argonauta, da qual alguns exemplares podem ser encontrados em sebos, via internet.

Foi na Argonauta que encontrei o maior e melhor romance do gênero, Cidade (City, 1952), de Clifford D. Simak (1904-88), editado com o título desnecessário de Cidades Mortas. Eu o leio a cada 5 anos. Ao lado de Heinlein, Isaac Asimon e Arthur C. Clarke compõe o quarteto de ouro da ficção-científica.

No Cinema, Heinlein teve adaptadas poucas obras, entre elas, Destino à Lua (Destination Moon, 1950), de Irving Pichel, Project MoonBase (1953), de Richard Talmadge (ambos escritos diretamente para a tela grande), The Brain Eaters (1958, adaptação de The Puppet Masters), de Bruno VeSota; Sob o Domínio dos Aliens (The Puppet Masters, 1994), de Stuart Orme; Tropas Estelares (Starship Troopers, 1997), de Paul Verhoeven; e O Predestinado (Predestination, 2014), de Michael e Peter Spierig, adaptação de All you Zombies. Este, apesar de ser uma produção australiana com 11 prêmios, fracassou nas bilheterias e ficou inédito nos cinemas. Outros romances, como Red Planet, ganharam adaptações para a TV e igualmente estão inéditas no Brasil.

Para saber mais sobre Robert A. Heinlein, clique aqui.

Em 2007 surgiu uma série de TV intitulada Strange in a Strange Land, dirigida por Paris Barclay, com Naveen Andrews e Emilie de Ravin, mas nada tem a ver com o romance de Heinlein.

Estranho Numa Terra Estranha foi editado no Brasil em 1973, pela Editora Artenova; e em 1991 pela Record. Ambas as edições encontram-se indisponíveis, mas uma boa caçada para compra nas livrarias de sebos na internet pode ser proveitosa.

Saiba mais sobre Um Estranho Numa Terra Estranha, clicando aqui.

Autor: Robert A. Heinlein
EUA, 1961
Putnam Puiblishing Group
(publicação original)
Premiação: Hugo (1962)
Brasil, 1973
Editora Artenova
(1ª edição)
Brasil, 1992
Editora: Record
(2ª tradução)
Número de Páginas: 527
Romance de ficção-científica

Eis uma boa sugestão para os apreciadores e fãs da ficção científica: a leitura de Tropas Estelares, que trata de uma das possibilidades que o homem pode encontrar na sua trajetória para a conquista do espaço, que é confronto com civilizações mais avançadas. Na impossibilidade da aquisição do romance, não publicado aqui, fica a sugestão de conferir ou reavaliar o filme, uma época considerado fascista.

Veja o trailer de Tropas Estelares.



Um livro, que não é bem um livro, mas um diário pessoal, enviado pela Editora Intrínseca, me tem dado a oportunidade de registrar o cotidiano. Intitulado Uma Pergunta Por Dia, esse livrinho diário é aparentemente estranho, mas na verdade, é sensacional. E vale a pena você tê-lo à cabeceira da cama ou da rede e, ao final do dia de trabalho e antes de exercer o sono dos guerreiros, responder a perguntinha do dia…

UMA PERGUNTA POR DIA, da Editora Intrínseca: registro de nossa metamorfose ambulante

UMA PERGUNTA POR DIA, da Editora Intrínseca: registro de nossa metamorfose ambulante

Uma Pergunta Por Dia é um diário elaborado para ser preenchido ao longo de 5 anos. São 365 perguntas que resultam em 1.825 respostas. São perguntas aparentemente bobas, mas que na verdade referem-se ao nosso cotidiano de forma filosófica, levando-nos a pensar antes de responde-las. Assim, formulamos o registro dos fatos cotidianos de nossa existência hoje e como as responderemos, novamente, nos próximos 4 anos. Esse livrinho já está mexendo com as minhas ideias e registrando as minhas opiniões e impressões das coisas, pessoais ou não, da sociedade ou do mundo. Tudo é muito, mas muito pessoal.

O livrinho tem um formato parecido com o livro de bolso, mas as suas capas e contracapa são duras. Ou seja, é para você ler a pergunta do dia, responde-la e pô-lo de volta à cabeceira. Amanhã, será outro dia e outra pergunta o fará refletir sobre o seu dia que está findando.

A primeira pergunta é Qual é a sua missão? A segunda: as pessoas podem mudar? A partir daí, surgem perguntas inusitadas como “o que você está lendo atualmente?”, “qual o último restaurante ao qual você foi?”, “qual foi o ponto alto de hoje?”, “qual a invenção que você não consegue viver sem?”, “o que inspirou você hoje?”, “para quem você precisa telefonar?, “se pudesse voltar no tempo e mudar alguma coisa, o que seria?”, “o que você gostaria de dizer ao seu pai?”, “qual a coisa mais sincera que você disse hoje?”, entre outras. E há, ainda, simples colocações para você complementar como “hoje o dia foi engraçado porque…”, “a primeira coisa que você comeu hoje foi…”, “hoje você se livrou de…”.

Uma Pergunta Por Dia é a versão traduzida da famosa série Q&A a Day, fenômeno editorial que vendeu 123 milhões de exemplares nos EUA. A ideia do livro é fazer você perceber como somos uma “metamorfose ambulante”, expressão com a qual o saudoso Raul Seixas nos faz refletir como podemos mudar ao longo de opinião, de comportamento e de visão das coisas e do mundo ao longo de nossas vidas.

Esse livrinho permite, ainda, que você possa fazer esse registro cotidiano a dois, em dupla, no mesmo livro (há quatro linhas de espaço para cada uma das respostas), ou cada um com o seu. É uma cápsula do tempo que permita uma profunda reflexão sobre si mesmo, nós mesmos. Um livrinho amigo capaz de nos fazer descobertas e redescobertas.

Você quer dar um bom presente a si mesmo ou a uma pessoa amiga? Uma Pergunta Por Dia é livro… quer dizer, o presente perfeito.

Q & A a day: 5 year journal
Autor: Potter Style
EUA, 2011
Tradução: Lourdes Sette
Editora Intrínseca
Ano: 2015
368 páginas
Preço: R$ 39,90


Jojo Moyes. Esse nome aparentemente latino identifica uma das escritoras mais bem sucedidas da atualidade, com mais 9 milhões de livros vendidos em todo o mundo. Com 13 livros publicados e um deles, Como Eu Era Antes de Você, adaptado por Hollywood, a inglesa Jogo Moyes é a bola da vez no mundo literário

Jojo Moyes, autora de COMO EU ERA ANTES DE VOCÊ

Jojo Moyes, autora de COMO EU ERA ANTES DE VOCÊ

No início do ano 2000 Jojo MoYes era conhecida apenas como uma jovem que, após concluir a London University, em 1992, recebeu do jornal The Independent uma bolsa para fazer pós graduação em jornalismo na City University e trabalhar na empresa, ao longo de dez anos, tendo sido Assistente do Editor e Artes e também Correspondente. Ganhou experiência com fatos, os quais cobria, e pessoas, as quais entrevistava, observando a realidade sob vários ângulos, o existencial e o humano.

Quando se decidiu a ser escritora, porque trabalhava como jornalista a noite e o dia lhe sobrava, em 2003 já escrevera 3 livros – Sheltering Rain, Foreigh Fruit e The Peacock Emporium – e todos tinham sido rejeitados. Em entrevista a um jornal inglês, revelou que, na época, “eu estava casada e em uma situação: tinha um bebê e estava grávida de novo. Eu pensei, ‘isso está ficando meio ridículo”. Mas, no natal daquele ano, o seu agente lhe trouxe a boa notícia da aceitação de Sheltering Rain,(que no Brasil recebeu o título de Em Busca de Abrigo) abrindo-lhe as portas das editoras. “Escrever era um vício. Quando vendia pouco, minha preocupação encontrar modos de continuar“, revelou.

A partir daí, o processo de publicação foi natural, chegando ao ápice com Como Eu Era Antes de Você, editado em 2012, adaptado para o cinema em 2015 e lançado neste ano. Casada com o jornalista Charles Arthur, 46, hoje, Jojo Moyes, também com 46 anos, já conta com 13 livros publicados, 8 deles no Brasil pela Editora Intrínseca.


Para saber mais sobre as obras de Jojo Moyes, clique aqui

Jojo Moyes não tem, na verdade, nenhum romance polêmico ao ponto de criar celeuma internacional. Mas bem que Como Eu Era Antes de Você poderia ter sido esse livro. Provocou algum barulho, mais específica sobre envolvendo a relação das pessoas com deficiência e a busca pela morte assistida. As entidades médicas, terapeutas e associações não gostaram da colocação da autora que deu preferência ao personagem central, o ricaço Will Traynor, preferir a morte a continuar tetraplégico.

Estranhamente, as entidades religiosas também não provocaram discussão sobre o tema da morte assistida, que é, na verdade, uma forma de suicídio. Para os espíritas, a morte assistida é apenas uma forma aparentemente menos impactante e romântica de se tirar a própria vida, mas, já que somos todos espíritos e continuamos vivos após a morte física, as consequências da escolha são as mesmas para a espiritualidade.

A morte assistida é uma forma polêmica de morrer, mais diretamente, de suicídio. Alguns a encaram como um tabu. Mas, além das consequências espirituais, as há, também na forma da Lei. Em uma das histórias do seriado Justiça, em exibição na Rede Globo, o personagem de Cauã Reymond é condenado pela prática da eutanásia com a namorada, a qual ficou paralisada do pescoço para baixo após ser atropelada. No Brasil, o ato está contido como crime pelo Código Penal e no Código de Ética Médica, com pena de 2 a 6 anos.

Fiquei impressionada com o modo como os leitores deixaram de lado suas crenças religiosas e preconceitos para aceitar [o livro] como a história de um casal em uma situação muito humana, que suscita o debate sobre o que eles fariam se estivessem na mesma situação, disse Moyes em resposta a um jornalista. Um depoimento, sem dúvida, demonstrativa da superioridade do materialismo sobre a espiritualidade.

Com contrato assinado com a Metro Goldwyn Mayer para a adaptação de outros de seus romances, Jojo Moyes aguarda a escolha de seus romances que, a partir de 2017, poderão chegar aos cinemas. Uma coisa é certa: Depois de Você, seu mais recente romance, lançado neste ano pela Editora Intrínseca, deve ser um deles.

Para conferir as obras de Jojo Moyes no Brasil, acesse aqui


Ouvi esta notícia em 2008 ou 2009, sobre uma jovem atleta na Inglaterra, que havia ficado tetraplégica após um acidente e, alguns anos mais tarde, convenceu os seus pais a levá-la para um centro de suicídio assistido. Na época, eu só não podia acreditar que estava ouvindo. Eu não entendi em qualquer nível. Então, eu comecei a ler mais sobre isso e percebi que não era tão preto e branco, como eu queria que fosse. Você pensa que se você sofre algum acidente físico catastrófico – como foi o de Christopher Reeve – e que continuaria se sentindo uma pessoa incrível, graciosa, que encontrou um caminho através disso. Não sei se eu seria aquela pessoa. Acho que ficaria muito zangado por um longo tempo. Falei com uma enfermeira que lida com esse tipo de lesão na coluna vertebral e ela me disse que por apenas duas vezes em sua carreira conheceu homens que apenas se recusou a aceitar a condição, e se recusaram a aceitação. Isso me fascinou porque pensei que seria como a mãe daquele homem, o que seria se tivesse uma pessoa apaixonada por ele e como ele reagiria. Sabia que era uma história que eu tinha que contar.
JOJO MOYES, escritora


EM BUSCA DE ABRIGO (Sheltering Rain, EUA/2002; BRASIL 2004)
A CASA DAS MARÉS (Foreign Fruit, 2003/2007
BAÍA DA ESPERANÇA (Silver Bay/2010)
A ÚLTIMA CARTA DE AMOR (The Last Letter From Your Lover, 2010/2012)
COMO EU ERA ANTES DE VOCÊ (Me Before You, 2012/2013)
A GAROTA QUE VOCÊ DEIXOU PARA TRÁS (The Girl You Left Behind, 2012/2014)
UM MAIS UM (The One plus One, 2014/2015)
DEPOIS DE VOCÊ (After You, 2015/2016)

Confira o trailer de Como Eu Era Antes de Você.

Imagem de Amostra do You Tube



Assim como na Itália renascentista os Medici, os Sforza e até Papas investiram na cultura e nas artes como forma de obter o reconhecimento e o prestígio da sociedade, no Brasil do século XX uma família deixou inestimável legado ao País ao investir nos mais diversos campos da sociedade – economia, imobiliário, esportivo, arquitetônico, siderúrgico, petrolífero, carnavalesco e cultural. A família? Os Guinle. Essa história fascinante e quase esquecida nos tempos atuais está resgatada em Os Guinle – a História de uma Dinastia, do historiador Clóvis Girão, em lançamento pela Intrínseca

OS GUINE - A HISTÓRIA DE UMA DINASTIA, de Clóvis Bulcão: obra reveladora

OS GUINLE – A HISTÓRIA DE UMA DINASTIA, de Clóvis Bulcão: obra reveladora

Os Guinle foram muito mais além do que Mecenas, o termo italiano criado a partir dos atos de Caius Mecenas (6-8 a.C), o conselheiro do imperador Augusto que sustentou um círculo de intelectuais e poetas à sua época, e que mais tarde, no Renascimento (séculos XV e XVI), ganharia força e “status” com os investimentos promovidos pelas famílias Médici na Florença, sob a visão de Cosme (1389-1464) e Lourenço (1449-92); a família Sforza (Galeazo Maria Sforza, 1444-76; Ludovico, 1452-1508, e outros descendentes); o imperador da França, Francisco I (1494-1547), além dos papas Sisto IV (1414-1484), Júlio II 1 (1443-1513) e Leão X (1475-1521), filho de Lourenço de Médici, entre outros.

Para saber mais sobre o mecenato na Renascença, acesse:

O Renascimento italiano

Os Papas Mecenas

A ação dos Guinle no Brasil é imensurável. Ao longo do século XX, usaram a sua riqueza não apenas na convivência e a obtenção do poder político, mas especialmente na cultura e artes e naquilo que hoje é uma referência do fazer: o empreendedorismo.

Eduardo Palassim e Guilhermina Coutinho da Silva: os Guinle

Eduardo Palassim e Guilhermina Coutinho da Silva: os Guinle

Os Guinle espalharam o seu nome em vários outros campos de atividades do País, desde a construção de hospitais (Gaffre e Guinle), hotéis (Copacabana Palace), siderúrgicas (Companhia Siderúrgica Nacional, a CSN), portos (o Porto de Santos), acervos de museus (Museu Imperial e Histórico Nacional), arquitetônico e imobiliário (Palácio das Laranjeiras, a Granja Comary), financeiro (Banco Boavista), tendo ainda eletricado o Elevador Lacerda (Salvador), patrocinado pesquisas de petróleo à época de Getúlio Vargas e até investido nas carreiras de Heitor Villa-Lobos (1887-1959), o grupo de Pixinguinha Os 8 Batutas e a Orquestra Sinfônica Brasileira.

Clóvis Bulcão, 55, historiador formado pela Pontifícia Universidade Católica-PUC e professor do Instituto Superior de Educação do Rio de Janeiro, autor de Padre Antonio Vieira: um esboço biográfico (José Olympio, 2008), passou 5 anos pesquisando 30 anos da família Guinle, que até o final do século passado era relacionado ao luxo, glamour e opulência, além de associado ao hotel Copacabana Palace, hoje ainda meio esquecido.

Cândido Grafrée: amigo e sócio dos Guinle

Cândido Gaffrée: amigo e sócio dos Guinle

A extravagância de alguns dos últimos descendentes do gaúcho Eduardo Palassim Guinle (1846-1912, filho de imigrantes franceses que trocaram o Uruguai pelo Brasil) e sua mulher Guilhermina Coutinho da Silva (1854-1925), que começaram uma dinastia a partir de um modesto armarinho na Rua do Ouvidor, no Rio de Janeiro, em sociedade com o comerciante Cândido Gafrée levou a família à decadência. E essa história de grandeza, excessos e ocaso é contada através das realizações dos 7 filhos de Eduardo e Guilhermina, geração após geração que conduziu a um inexorável processo de decadência. Palacetes cariocas, taças de champanhe, apostas no no antigo circuito da Gávea e seus automóveis ou no Jockey Club, o jetset internacional, abraços e relações amorosas com famosas atrizes de Hollywood. Tudo isso faz parte de uma história familiar.

Para saber mais:

Os Guinle nasceu na PUC

A Sociedade Gaffrée/Guinle

Sobre Cândido Gaffrée

Clóvis Bulcão

Clóvis Bulcão

Bulcão faz minuciosa e precisa pesquisa histórica que lhe custou 5 anos. A história de ascensão socioeconomica e cultural dos Guinle, que tem o seu grande impulso com o monopólio, a operação e a modernização do Porto de Santos, revela também, de forma surpreendente, certa intimidade do âmbito familiar. Clóvis extrai, em histórias particulares – muitas delas bem humoradas -, uma trajetória fascinante de ascensão e queda através de dezenas de entrevistas realizadas com integrantes, amigos e parceiros profissionais dos Guinle. A grande particularidade, no entanto, reside no destaque da ação de vida de cada um dos 7 filhos de Eduardo e Guilhermina. Há histórias de proximidade e convivência com o poder, lealdade aos parceiros e sócios, extravagâncias de filhos, mas nunca, em momento algum, qualquer referência a corrupção. Daí porque a história dos Guinle é extraordinária e merece ser conhecida – e, especialmente, reconhecida como digna e honrada. Com ela, quem ganhou foi o País, o único herdeiro.


Sob o lema se você deseja, não lhe fara mal, os Guinle construíram um registro único, o qual, hoje, é parte da História do Brasil com as suas ações audaciosas de empreendedorismo e de mecenato à cultura, as artes e aos artistas, cujo conjunto de atividades não se comparam e não tem paralelo ou relação as demais famílias brasileiras. Os Guinle, com a sua história, resistem ao tempo com uma história limpa, relevante e exemplar.


Luiz Guinle (político carioca), não se casou;

Eduardo Guinle (casado com a prima Branca Coutinho Ribeiro);
Guilherme Guinle (político e diplomata na Itália);

Carlos Guinle (marido de Gilda Rocha, pai de Jorginho Guinle e mecenas de Heitor Villa-Lobos);

Arnaldo Guinle (empresário, solteiro e sem filhos, patrono do Fluminense Futebol Clube);

Celina Guinle (mulher do aristocrata imperial Linneo de Paula Machado);

Octávio Guinle (fundador do Copacabana Palace, do Fluminense Futebol Clube, avô da atriz Guilhermina Guinle);

Heloísa Guinle (casada com seu primo Samuel Ribeiro, sem descendentes).


Brasil, 2015
Autor: Clóvis Bulcão
Editora: Intrínseca
Páginas: 256
Impresso: R$ 39,90
E-book: R$ 19,90


Aprendi a escrever lendo os livros que caiam nas minhas mãos ainda na infância. Fui estimulado a apreciar e amar os livros desde quando me eram presentados e as suas páginas continham apenas quadrinhos, sem legendas. Foi a porta de entrada para a adoração às revistas-em-quadrinhos e, em seguida, à literatura. Na adolescência, então, aconteceu a descoberta da sociedade humana, a filosofia e a história, o planeta Terra e o universo cósmico – tudo através dos livros. E agora, encontrei uma boa oportunidade para retribuir essa generosa oferta que a literatura me ofereceu.  Será uma nova abertura de publicações neste Cinema e Artes. E começamos com a apresentação de obras direcionadas para o público infanto-juvenil. A série de do menino-gênio Frank Einstein, de Jon Sieszka, e Senhor Fedor e Vovó Vigarista, de david Williams, reforçam a importância da leitura na idade infanto-juvenil

Jon Scieszka e David Walliams: autores notáveis da literatura infanto-juvenil

Jon Scieszka e David Walliams: autores notáveis da literatura infanto-juvenil

Não existe melhor presente do que um livro. Então, fiz um apanhado dos livros dessa categoria lançados pela Editora Intrínseca e que poderão servir de porta de entrada, também, para muitas crianças descobrirem a riqueza dos livros. E isso, depende de nós, adultos… Essa pequena seleção destaca alguns livros essenciais no estímulo para crianças e adolescentes façam as suas descobertas de vida e até as despertem para certas profissões… via literatura.


FRANK EINSTEIN – Série infantil escrita pelo estadunidense Jon Scieszka, 67, com 2 livros, Frank Einstein e o Motor Antimatéria e Frank Einstein e o Eletrodedo, já lançados no Brasil, obviamente, pela Editora Intrínseca, são exemplos de obras que podem dar caminhos às crianças e adolescentes. Seu autor, Jon Scieszka, é mestre em literatura e especialista em literatura para as crianças e foi primeiro norte-americano nomeado pela Biblioteca do Congresso a se tornar Embaixador da Literatura Nacional Para Jovens, no período 2008-2009. Seu lema: ajudar as crianças a serem automotivadas e leitores ao longo da vida. É autor de mais de 50 livros, todos com ilustrações de seus colaboradores, como Lane Smith (em 6 edições) e Brian Biggs. A série abre, motivada pela paixão do autor pela ciência abre caminho para que as crianças apreciem e entendam as coisas ciência moderna. Saiba mais sobre os 2 livros.

Os personagens da série Frank Einstein, de Jon Scieszka

Os personagens da série Frank Einstein, de Jon Scieszka

FRANK EINSTEIN E O MOTOR ANTIMATÉRIA – Livro de abertura da série, apresenta o menino-gênio Frank Einstein, um menino de 10 anos que, cheio de ideias mirabolantes, utiliza a garagem do avô como laboratório e quase sempre me mete em enrascadas. O sobrenome Einstein, lógico, é uma homenagem ao físico Albert (1879-1955), o descobridor da existência das ondas gravitacionais, confirmada recentemente. O Motor Antimatéria é o primeiro livro de uma série com o pequeno cientista, o qual inventa o RobôGente, uma máquina capaz de pensar e, por um descuido, leva dois pequenos robôs, o esperto Klink e o desajeitado Klank, a se construírem. Eles passam a ser auxiliares de Frank, que trabalha para ganhar um prêmio de ciências, e o ajudam a enfrentar o malvado T. Edison (citação a Thomas Edison, 1847-1931, o polêmico inventor da lâmpada elétrica e outras invenções que muitos dizem indevidamente apropriadas), que quer roubar a sua criação.

FRANK EINSTEIN E O ELETRODEDO – A busca de Scieszka em ensinar conceitos científicos às crianças se mostra aqui mais evidente e segue nesta continuação do romance anterior. Agora, Frank está trabalhando para melhorar uma invenção de Nikola Tesla (1856-1943), o “eletrodedo”, um dispositivo que tem a capacidade de fornecer energia de graça para cidade de Midville. Ele conta com a ajuda de seu melhor amigo, o garoto Watson (referência ao parceiro de Sherlock Holmes, o detetive criado por Sir Conan Doyle, 1859-1930), e a participação dos robôs Klink e Klank, para finalizar o projeto e assim ganhar um grande concurso de ciências. Novamente o seu inimigo-mor, T. Edison, outro menino-gênio, que tem um astuto chimpanzé, o Sr. Chimp, como ajudante.

O Senhor Fedor e a Vovó Vigarista: ilustrações dos livros

O Senhor Fedor e a Vovó Vigarista: ilustrações dos livros

VOVÓS E FEDOR, de David Walliams – Ator, roteirista e autor premiado, Walliams, 45, é considerado o fenômeno da literatura infanto-juvenil na Inglaterra, tendo suas criações sido traduzidas para mais de 25 idiomas. Como ator, apareceu em 3 episódios da série Dr. Who, em 1999, e hoje é um dos juízes do programa Britain’s Got Talent, que tem descoberto talentos em diversas áreas, sendo a mais famosa delas a cantora Susan Boyle.

VOVÓ VIGARISTA – Imaginem uma vovó assim: até se parece com aquelas dos livros infantis… tem a cabeleira toda branca… e usar dentadura não é opcional.. mas de baixo da manga uma joia ela arranca… vovó é uma ladra internacional… Bem, o personagem central é um garoto chamado Bem, que todas as sextas é deixado na casa da avó pelos pais, a fim de terem a sua “noite de namoro”. E, um dia, ma casa da chata avó, ele descobre que ela é uma famosa e habilidosa ladra internacional de jóias…

Para saber mais sobre Vovó Vigarista, leia a crítica… aqui.

SENHOR FEDOR – Chloe, menininha de 12 anos, tem tudo para ganhar o título de “menina mais solitária do mundo”. O Senhor Fedor, um mendigo que chega um dia ao seu bairro, tem o ingrediente perfeito para ser considerado o homem mais fedorento, ou fedegoso, do mundo. O encontro dessas duas pessoas proporciona uma das mais deliciosas e irreverentes leituras do ano. Um primor de história.

Para saber mais da história, leia a análise de Ryanne Braga, aqui.


Frank Einstein and the Antimater Motor
País: EUA, 2014
Autor: Jon Scieszka
Tradução: Regiane Winarski
Editora: Intrínseca
Páginas: 192
Impresso: R$ 34,90
E-book: R$ 19,90



Frank Einstein and the Eletro-Finger
EUA, 2015
Autor: Jon Scieszka
Editora: Intrínseca
Tradução: Regiane Winarski
Páginas: 176
Impresso: R$ 34,90
E-book: R$ 19,90



Gangsta Granna
Inglaterra, 2015
Autor: David Williams
Editora: Intrínseca
Tradução: Edmundo Barreiros
Página: 340
Impresso: R$ 24,90
E-book: R$ 14,90



Mr. Stink
Inglaterra, 2009
Autor: David Walliams
Editora: Intrínseca
Tradução: Edmundo Barreiros
Páginas: 224
Preço: R$ 34,90
E-book: R$ 19,90



A Editora Intrínseca efetua o lançamento de mais duas obras literárias que ganharam adaptações para o Cinema: Aliança do Crime, de Dick Lehr e Gerard O’Neill; e Sr. Holmes, de Mitch Cullin. O primeiro, revela uma estarrecedora história real sobre aliança criminosa entre um agente do FBI e um gangster, por 10 anos refutada pelo governo norte-americano; e o segundo, traz de volta um icônico personagem da literatura inglesa, o detetive Sherlock Holmes, em uma história comovente.  Para ler antes ou depois de vê-los na tela grande

Ian McKellen em SENHOR HOLMES (2015), filme de Bill Condon; e Johnny Deep em ALIANÇA DO CRIME (2015), de Scott Cooper: livros de sucesso

Ian McKellen em SENHOR HOLMES (2015), filme de Bill Condon; e Johnny Deep em ALIANÇA DO CRIME (2015), de Scott Cooper: livros de sucesso

A Intrínseca tem se destacado, pelo lançamento de obras, entre outras primorosas criações literárias, que ganharam adaptações pelos estúdios de Hollywood. E duas dessas transposições conquistaram elogios da crítica especializada e a atenção do grande público. No caso, Aliança do Crime, dos jornalistas investigativos Dick Lehr e Gerard O’Neill, e Sr. Holmes, de Mitch Cullin. O primeiro enfoca um caso de corrupção denunciado  pelos jornalistas. O segundo se apropria do personagem de Sir Arthur Conan Doyle para compor a vida de Sherlock Holmes aos 93 anos e em sua última aventura.

Como faço sempre, vou apenas “acender” a curiosidade dos caros leitores e internautas, para os 2 livros em destaque. Ambos, aliás, são lançados em momento extremamente oportuno. Aliança do Crime nos serve como reflexão sobre a estreita linha que separa o direito do ilegal, como às escondidas os conchavos levam décadas para serem descobertas. Mas, a reverência maior à obra literária, está no trabalho primoroso executado pelos jornalistas, o que nos leva a colocar em pauta uma velha questão: a liberdade de imprensa. A imprensa tem sido o grande instrumento de conhecimento da sociedade sobre o que nela acontece. E é com esse dever de levar ao conhecimento da sociedade os acontecimentos que transgridem essa linha imaginária que torna a imprensa fundamental nos estados democráticos. Esse atual governo petista tentou nos tirar isso, como fizeram seus parceiros ideológicos Kirchner e Maduro. Daí, defender a imprensa e manter-lhe a liberdade de investigação  deve ser mantida a qualquer custo. Já Sr. Holmes trata da velhice de um personagem fictício, um dos mais famosos do mundo, cuja existência e ação sempre estiveram ao lado da Lei. E, finalmente,  esses 2 livros chegam às livrarias quando as suas respectivas transposições para a tela grande, simultaneamente, chegam aos cinemas.

James "Whitey" Bulger em fotos de 1953 e 2011; e John Connolly, em foto de 2002, em Boston

James “Whitey” Bulger em fotos de 1953 e 2011; e John Connolly, em foto de 2002, em Boston

Aliança do Crime

Aliança do Crime é uma impressionante história real de corrupção que não fica devendo a nada aos enredos dos mais mirabolantes roteiristas de Hollywood. A realidade mais poderosa do que a ficção. E lógico, a própria Hollywood tratou de leva-la para a tela em uma elogiada produção dirigida por Scott Cooper e estrelada por um Johnny Deep praticamente irreconhecível, e que traz ainda Joel Edgerton, Benedict Cumberbatch, Kevin Bacon e Dakota Johnson no elenco. O filme já passou pelas salas comerciais do País.

John Dillinger (1903-34, ladrão de bancos, idolatrado por roubá-los com exclusividade), Alphonse Gabrirl “Al” Capone (1889-47, contrabandista e vendedor de bebidas, considerado o maior gangster da história policial dos EUA), Francis Georges Barnes Jr (1895-54), o Machine Gun Kelly, vendedor de bebidas, o que era proibido na época da Lei Seca); John Gotti (1940-2002), mafioso da família Gambini, executor de sequestros, agiotagem, jogos de azar, extorsão, entre outras atividades). O que esses famosos gangsteres estadunidenses têm a ver com James “Whitey” Bulger? Tudo, além do fato de ter sido o criminoso mais procurado pelo FBI – só perdendo o posto para Osama Bin Laden, que era um procurado no exterior.

Essa história impressionante começa na década de 1970 e só se desfecha em 2011 e não é particular a apenas a Bulger, mas a outro personagem inusitado. Ambos formaram uma aliança do crime, cada um de um ocupando lados opostos da sociedade: a criminalidade e a polícia. Esse outro personagem é John Connolly, um agente do FBI, renomado e admirado por perseguir implacavelmente e destroçar nada menos do que a Máfia Italiana.

Dick Lehr e Gerard O'Neill: investigadores do escandaloso caso de corrupção

Dick Lehr e Gerard O’Neill: investigadores do escandaloso caso de corrupção

Em 1988, uma reportagem dos jornalistas investigativos Dick Lehr e Grard O’Neill, do jornal Boston Globe, desnudou a relação entre Bulger e Connolly, revelando a “aliança” que os unia. Durante dez anos a reportagem foi contestada e desmentida pelo FBI e o governo estadunidense. Fizeram de tudo para desacreditá-la. Afinal, como acusar um homem da lei que desmontara a Máfia italiana e era visto como um herói pela sociedade? Desacreditar a imprensa ficaria mais fácil, desmentir e deixar o tempo passar e a reportagem cair no esquecimento foi a ação governamental.Mas, como a sempre prevalece, 10 anos depois, tudo veio à tona. E com a dimensão de um escândalo inacreditável.

Eis um resumo breve: Bulger, irmão de William, o presidente do Senador Estadual de Massachusetts, aterrorizou a cidade de Boston praticamente sem ser importunado. E quando todos pensavam que ele agia à sombra do irmão, na verdade, seu protetor era outro, John Connolly, o homem da lei. Por qual razão? Bulger era informante de Connolly. Mas, o extraordinário e estarrecedor da história é que, na verdade, fora Bulger que tirara a Cosa Nostra da sociedade para ocupar o seu lugar. Apenas fornecera as informações privilegiadas para que Connolly, através da lei, a eliminasse totalmente em um processo de décadas. Assim, com a Máfia fora de circulação, Bulger assumiu o posto de “Rei do Crime” por quase 3 décadas. Durante esse tempo, cometeu 19 assassinatos, estupros, roubos, extorsões e tráfico de drogas…  Tudo com a conivência do FBI. Esse monumental escândalo, repercute até hoje na imprensa dos EUA.

A Opinião da Crítica

Uma das melhores leituras do ano. Dick Lehr e Gerard O’Neil escrevem como romancistas experientes, emendando uma cena chocante em outra numa tapeçaria com o pior da corrupção nos EUA
The New York Post


Black Mass: Whitey Bulher, the FBI and the Devil’s Deal, 2000
Autor: Dick Lehr e Gerard O’Neill
Editora: Intrínseca, 2015
Tradução: Cássio de Arantes Leite
Revisão: Milena Vargas
Arte de Capa: Márcia Quintella
Páginas: 424
Edição Impressa: R$ 39,90
E-book: R$ 24,90

Para Saber Mais

Para aumentar a sua curiosidade em obter mais informações que reforcem a aquisição do livro, leia:

Artigo de Kathleen Gomes – clique aqui

Para saber sobre Dick e O’Neil – clique aqui

Entrevista com Dick Lehr e Gerard O’Neil – clique aqui

Bem, com todas essas informações, você já pode adquirir Aliança do Crime sem dúvidas ou sustos.  A leitura, prazerosa, surpreende com essa espetacular história real cujo desfecho só ocorreu recentemente, em 2011.


Mitch Cuillin e o seu romance que virou filme: SR. HOLMES (2015)

Mitch Cuillin e o seu romance que virou filme: SR. HOLMES (2015)

Lançado nas livrarias estadunidenses em 2005, Senhor Holmes imediatamente conquistou a crítica e o público. Seu autor, Mitch Cullin, estadunidense, 48, é um dos mais prolíficos do país.  Tideland, uma das de suas criações mais conhecidas, ganhou adaptação para o Cinema em 2005 em uma fracassada produção canadense dirigida por Terry Gilliam. Tomando para si o icônico personagem criado pelo inglês Sir Conan Doyle (1859-1930), Cullin o atualiza em um enredo sagaz e que prende o leitor em uma leitura fascinante, marcada, principalmente pelo detalhismo e a minúcia com as quais enfoca determinadas coisas – documentos antigos, a apicultura, entre outros.

O ano é 1947. Holmes, com 93 anos, mora em uma fazenda em Sussex, condado histórico da Inglaterra, onde passa o tempo como criador de abelhas. Roger, o filho da empregada, ajuda-o. E, para exercitar a memória, passa o tempo relembrando alguns de seus casos mais famosos, entre eles casos de amor, traição, crimes misteriosos, os quais registra em um diário que perpassa um tempo ao longo de 50 anos. E, de repente, depara-se com um manuscrito inacabado, o único o qual não conseguiu solucionar. Incomodado pelo insucesso do caso, decide investigá-lo novamente, tendo como ingredientes uma mulher bonita, um marido raivoso, um jardim misterioso e um crime (assassinato? Suicídio? Sequestro?). Em todo o desenrolar da Holmes está sempre brigando com a sua memória.

Ian McKellen em SR. HOLMES (2005), filme de Bill Condon baseado no romance de Mitch Cullin

Ian McKellen em SR. HOLMES (2005), filme de Bill Condon baseado no romance de Mitch Cullin

O livro oferece uma visão humanística desse grande personagem da literatura universal e foi exatamente essa exposição de um Sherlock Holmes velho, mas ainda sagaz e astuto, brigando com o corpo frágil e uma mente que não lhe repassa todas as memórias que exige, que interessou ao cineasta Bill Condon (de Deuses e Monstros e A Saga Crepúsculo: Amanhecer – Parte 1 e Parte 2) para leva-lo ao cinema. O filme, igualmente intitulado Senhor Holmes, recebeu altos elogios da crítica. Esteve para ser lançado no Brasil em outubro passado, mas a Sony o cancelou, não tendo informado se ainda o colocará em cartaz. Provavelmente, não. Então, desfrute do livro.

Opinião da Crítica

Um belo livro sobre Sherlock Holmes. Exatamente como um romance deve ser

Maravilhosamente escrito e comovente

Extraordinário. O eterno herói nunca foi tão heroico. Ou tão humano.breno barreto

Para saber mais sobre Sherlock Holmes, clique aqui

Para saber mais sobre Sir Arthur Conan Doyle, clique aqui


A Slight Trick of the Mind
, 2005
Autor: Mitch Cullin
Editora: Intrínseca, 2015
Tradução: Alexandre Raposo
Revisão: Breno Barreto
Capa: Júlia Moreira
Páginas: 240
Edição Impressa: R$ 39,90
E-book: R$ 24,90



Confira o trailer de Sr. Holmes.

Imagem de Amostra do You Tube



O lançamento de The Price of Salt, Carol na tradução brasileira, deve ser saudada como um evento. É um desses livros precursores e fadados a servirem de referência ao longo dos tempos. Quando se falar em sexualidade na literatura, obrigatoriamente se falará de Carol e Lolita. Carol, publicado originalmente em 1952, e agora chegando ao Brasil pela L&PM Editores, conta uma história de amor entre duas mulheres; a obra-prima de Vladimir Nabokov, a paixão de um homem maduro por uma adolescente, 3 anos depois. Carol obrigou Patricia Higsmith (1921-95) a se resguardar como autora e para isso usou o pseudônimo de Claire Morgan. Alem do romance, a adaptação cinematográfica, dirigida por Todd Haynes, considerado a melhor produção de 2015 feita por Hollywood, estreia em 14 de janeiro

Cate Blanchett e Rooney Mara em CAROL; a capa do Livro; e Patrícia Higsmith aos 30 anos

Cate Blanchett e Rooney Mara em CAROL; a capa do Livro; e Patrícia Higsmith aos 30 anos

O homossexualismo, àquela época, era considerado doença, obrigava a suicídios, “tratamentos” atrozes, humilhações, entre outros fatores. Reza a lenda que, temerosa com as consequências do conteúdo de seu romance, pediu ao seu professor favorito no Barnard College que o lesse e ele a orientou a se resguardar. Ele tinha razão, pois a editora o rejeitou prontamente e só foi publicado por uma editora menor. Em um artigo, Patricia descreveu que “aquela era a época em que os bares gays eram uma porta escura em algum lugar de Manhattan, e as pessoas que os frequentavam saltavam do metrô uma estação antes, ou uma depois, da estação certa, com medo de desconfiarem que eram homossexuais”.

Therese Belivet trabalha como vendedora na seção de bonecas de uma loja de departamentos. O emprego é,para ela, um “bico”, a fim de ter dinheiro investir na carreira de cenógrafa de teatro. É natal em Nova York. A loja está lotada. E entre de repente, uma sincronizada troca de olhares uma mulher a deixa hipnotizada. Ela faz-lhe uma compra: uma boneca para a filha. O nome dela é Carol Aird. Assim começa o romance entre a jovem Therese e Carol – recém-separada e mãe de uma filha. Contar mais é irrelevante.

Carol tem um fundo de verdade. Jim Dawson, em artigo no inglês The Guardian, descreve que Patrícia Higsmith recorreu à realidade e a inspiração em pessoas com as quais ela conviveu para dar vida a Therese Belivet e Carol Aird. Therese era “a mulher loira e elegante em um casaco de peles” que, na Macy’s de Nova York, lhe comprara uma boneca para a filha. Em um dia de folga, ela pegou um ônibus para Nova Jersey e, com o endereço contido no recibo de compra, foi parar na casa da mulher que desejara ao conhece-la.

Cate Blanchet e Rooney Mara em CAROL (2015), de Todd Hayes

Cate Blanchet e Rooney Mara em CAROL (2015), de Todd Hayes

Houve outra inspiração para o personagem de Carol: Virginia Kent Catherwood, a ex-amante de Highsmith, uma socialite elegante e endinheirada da Filadélfia, cujo divórcio na década de 1940 tinha mantido colunistas de fofocas em Nova York em um estado de delírio escandalizado com a sua intriga lésbica”, revela Jim Dawson, jornalista do inglês The Guardian. E continua: “Ginnie” e Highsmith eram amantes em meados dos anos 1940 e essa plena vazão é dada no diário de Highsmith ao seu poderoso desejo de sua amante e também, às vezes, os sentimentos de vingança assassina que são expressas em todos os escritos de Highsmith. Catherwood tinha perdido a custódia de seu filho depois de uma gravação feita dela em um quarto do hotel com outra mulher e usada no processo contra ela, um detalhe extraído para a trama de The Price of Salt de uma maneira que deu uma pausa para Highsmith. No final, o detalhe ficou um motor essencial para a narrativa, tornando o caso de amor entre Carol e (…) Therese (que seria a própria Highsmith) ainda mais perigoso e pungente”, descreve. Carol Baird, seguindo ele, é a própria Patrícia.

A Opinião da Crítica



Para ler o artigo de Jim Wilson (sem tradução), no The Guardian, clique aqui.

Livros adaptados para o Cinema

São 18 filmes que promoveram adaptações das obras de Patricia Higsmith. As obras, no entanto, produzidas por  diversas nacionalidades, têm o predomínio de Alemanha e França.

Pacto Sinistro (Strangers in a Train, EUA, 1951), de Alfred Hitchcock
O Sol por Testemunha (Plein Soleil, França, 1960), de René Clement
Le Meurtrier (França, 1963), de Claude Autant-Lara
O Amigo Americano (Der amerikanische Freund, Alemanha, 1977), de Jim Wenders
Nunca Beijes um Estranho (Once You Kiss a Stranger…, EUA, 1969), de Robert Sparr
Amor Impossível (Dites-lui que je l’aime, França, 1977), de Claude Miller
Die gläserne Zelle (Alemanha, 1978), de Hans W. Geissendörfer
Vítima por Testemunha (Eaux Profondes, França, 1981), de Michel Deville
Ediths Tagebuch (Alemanha, 1983), de Hans W. Geissendörfer
Die zwei Gesichter des Januar (Alemanha, 1986), de Wolfgang Storch, Gabriela Zerhau
O Ulular do Mocho (Le Cri du Hibou, França, 1987), de Claude Chabrol
Der Geschichtenerzähler (1989), de Rainer Boldt
Trip nach Tunis (Alemanha, 1993), de Peter Goedel
O Talentoso Ripley (The Talent Mr. Ripley, Inglaterra, 1999) de Anthony Minghella
O Retorno do Talentoso Ripley (Ripley’s Games, Itália-Reino Unido-EUA, 2002), de Liliana Cavani
Ripley no Limite (Ripley Under Ground, EUA, 2005), de Roger Spottiswoode
O Vôo da Coruja (The Cry of the Owl, Inglaterra-Alemanha-França-
As Duas Faces de Janeiro (The Two Faces of January, Reino Unido-França-EUA, 2014), de Hossein Amini

Em Filmagem
A Kind of Murder (2015), de Andy Godard, com Jessica Biel e Patrick Wilson

The Price of Salt, 1952
Autora: Patrícia Higsmith
L&PM Editores
Tradução: Roberto Grey
Revisão: Lia Cremonese
Capa: poster cortesia da HanWay Films
Páginas: 307
Livro: R$ 25,90


Confira o trailer de Carol.